Antony and Cleopatra (1998)

Ci ha provato anche lei... come vedi. Lui l'ha bloccata!😂

Queste due recensioni sono state fatte da due normali spettatrici abituè degli spettacoli teatrali.
Sono due recensioni molto interessanti, in particolare la seconda, che mette in luce come lo stesso spettacolo, fatto da due Alan diversi cambi completamente di trasporto ed energia.
Rammento, anche per chi non ne fosse a conoscenza, che per questo spettacoli Alan fu un " rimpiazzo" dell'attore al quale per primo era stata assegnata la parte, come ha ricordato anche H.Mirren in un'intervista.

Qui le recensioni in lingua originale

Antonio e Cleopatra

Questa è la terza opera di Shakespeare che ho visto (dopo Macbeth e Molto rumore per nulla, entrambe in TV) e mi è piaciuta immensamente. È l'opera più lunga di Shakespeare e quella con più scene e cambi di scena. Bisogna "saltare" da Alessandria d'Egitto a Roma e viceversa, solo per poche frasi. È una sfida farlo sul palco e non confondere il pubblico. Il palcoscenico girevole lo ha fatto bene e in modo originale. Gli effetti sonori hanno contribuito a questo aspetto: l'Egitto aveva una musica (che suonava come un'arpa o un flauto), mentre Roma veniva annunciata con dei tamburi. Tutti gli attori hanno fornito ottime interpretazioni e la storia d'amore tra la Cleopatra della Mirren e l'Antonio di Rickman era credibile, anche se non c'erano scene di sesso bollente come alcuni si aspettavano e/o volevano. Molto umorismo nella prima parte dell'opera, quando Antonio e Cesare si incontrano per la prima volta: Antonio cerca di giustificare il suo soggiorno in Egitto e di compiacere Cesare. ("Trascurato, piuttosto....." Atto II, Scena II) Meravigliosa anche la "scena dell'ubriaco" su una barca con Antonio che canta e balla.

La seconda parte dell'opera tratta dei suoi fallimenti: le scene in cui si dispera dopo aver perso una battaglia sono molto commoventi. Se avete mai perso una "battaglia", vi rispecchierete nei vostri sentimenti. La Cleopatra della Mirren è stata perfetta nel mostrare emozioni "profonde" che cambiano in pochi secondi. Da menzionare anche Enobarbus, un soldato amico di Antonio, interpretato da Finbar Lynch, e Octavius Caesar, interpretato da Samuel West. È l'avversario di Antonio e lo fa molto bene. ("Mi chiama ragazzo...." Atto IV, Scena I: sembrava davvero un ragazzino che vuole essere preso sul serio e non lo è).

Se vi aspettavate una produzione in abiti moderni con approfondimenti profondamente nuovi su Shakespeare o sulla storia, sareste rimasti delusi. Se invece vi aspettavate una bella serata con un cast che si divertiva davvero a recitare, vi sareste divertiti moltissimo.

I due Antonio

Coloro che si ricordano dello scorso autunno, forse ricorderanno che Alan Rickman ha assunto il ruolo di *Antony* in Antony & Cleopatra di Shakespeare al Royal National Theatre di Londra, al posto di Alan Bates che si è ritirato per un intervento al ginocchio. Bates sta attualmente ricoprendo lo stesso ruolo nell'attuale produzione della Royal Shakespeare Company a Stratford, per cui ero interessato a ottenere un confronto con la produzione del National, che è comunque imperfetta.

Tanto per ricapitolare, la produzione con Alan Rickman è stata martellata senza pietà da quasi tutti i critici per la sua inudibilità e la mancanza di passione tra i protagonisti.
Beh, per fortuna non hanno visto il patetico sforzo del signor Bates. La sua interpretazione mancava di quasi tutto, legnosa, stazionaria, senza passione, quasi priva di movimenti virtuali. Certo, aveva imparato le parole, ma dov'era il fraseggio che fa emergere la comicità di questa storia, dov'era il cambiamento di timbro vocale che avrebbe attirato il pubblico nella sua passione?
Se si può riconoscere un uomo dai suoi vestiti, la scena di seduzione iniziale in Egitto ha fatto la differenza tra gli Antony. Bates sembrava avere un peso eccessivo, la barba folta rispetto alla copertina del programma lo faceva sembrare ancora più vecchio e la veste che indossava era quella di *Merlin* senza il cappello a punta. Al contrario Rickman, nelle stesse scene iniziali, era molto sexy in un abito tipo pigiama leggero con fili d'oro color crema e un lungo top (legato in vita) per lo più aperto. Sembrava in forma e si muoveva così facilmente da occupare l'enorme palcoscenico. Mentre la voce di Bates continuava a parlare, ho cercato qualche... beh, qualche segnale fisico... le mani si muovevano tra la pancia, si tuffavano di tanto in tanto verso l'inguine e si agitavano senza meta nell'aria, e questo era tutto. Oh, e per poco non si cala i pantaloni nella scena della nave pirata.
Cleopatra (Frances de la Tour) ha continuato a spingere... ma era troppo unilaterale, e devo dire che ho apprezzato la civetteria della Mirren e ho apprezzato di più il suo tempismo per aver visto un'altra che non ce l'ha fatta. Tra le altre parti principali, Storey nel ruolo di Enobarbus si è distinto per la sua bravura.
Quindi, mi sono seduto lì quasi volendo che Bates infondesse nella parte un po' della grinta fisica che Rickman ha portato nella parte, sentendo la voce di Rickman fluire e rifluire sulle stesse parole. Mi ha stupito il fatto che il pubblico non abbia trovato alcun tipo di divertimento nell'intero secondo tempo, il che non sorprende, dal momento che Bates non è riuscito a mettere in atto nessuno degli espedienti. Non si apprezza la comicità di Rickman finché non si vede qualcuno fare la stessa cosa senza lo stesso senso del tempo. Ed è stato proprio il tempismo e l'enfasi delle frasi a fare la differenza tra comicità o meno. Avrei voluto che tutti coloro che lamentavano il ritiro di Bates dal National avessero potuto vedere questa performance. Quell'uomo non aveva proprio *l'aria*, in nessuna forma, e difficilmente sarebbe riuscito ad andare oltre la fila H del National.

"Questo è un bacio tra soldati...".

Dov'era la passione?

"Oh, dove mi hai condotto, Egitto...".

Dov'era il dolore?

"Puttana triplamente trasformata...".

Dov'era la rabbia?

"Sto morendo Egitto...".

Dov'era la pietà?

Amo queste parti e mi lascio trasportare quando sono fatte bene. Se l'attore non riesce a trasmettere queste emozioni, ritengo che il pubblico sia stato ingannato. Con Alan Bates è stato ingannato.
Non mi sono mancate le scenografie sferraglianti del National e il perspex di *Roma*, ma la scena della tomba del National era davvero spettacolare con le candele. Tuttavia, mi rendo conto che questo genere di cose probabilmente non rientrava nel budget del RSC per questa produzione di Stratford.
In generale, i personaggi minori del National erano deboli, se la cavavano con una recitazione eccessiva e non erano abbastanza disciplinati. Se si potessero sostituire questi personaggi con quelli della RSC si avrebbe un cast complessivamente molto buono. Temo che questo sia servito solo a dimostrare quanto fosse buono l'A&C del National Theatre quando era ormai maturo, prospettiva che è andata completamente persa per la maggior parte delle persone che non sono riuscite a vedere oltre i difetti strutturali della produzione. Se i successivi Antony sono ormai *spacciati* per me, ritengo che vedere quello di Rickman sia il prezzo da pagare.

Edited by Arwen68 - 25/6/2022, 23:08

Mi sento di dover ringraziare personalmente Marina ( che non ho il piacere di conoscere) per lo splendido lavoro di resoconto dello spettacolo. Sarebbe meraviglioso averne un resoconto simile anche delle Liason...che purtroppo sono soltanto visionabili, come ben sappiamo, soltanto alla sede dell'Rsc😣😣😣

È un disastro, ma lo spettacolo deve andare avanti

Qui l'articolo in inglese

I critici odiano Antonio e Cleopatra (con Helen Mirren e Alan Rickman) quasi quanto hanno disprezzato il "Macbeth" di Peter O'Toole. Ma gli attori devono ancora sfidare il pubblico, sera dopo sera.

commento: Tobias Jones
Copyright 1998 Newspaper Publishing PLC
L'Indipendente (Londra)
15 novembre 1998, domenica

Quando il nuovo Antony and Cleopatra del National Theatre è stato inaugurato di recente, un critico ha definito la coppia di corteggiatori, interpretata da Alan Rickman e Helen Mirren, come "una coppia di panda che si accoppiano in modo glaciale allo zoo di Londra, costretti a fare il loro dovere".
Altri sono stati altrettanto severi. L'interpretazione è stata giudicata "sgangherata e triste", "assolutamente non coinvolgente" e "decisamente pigra".
Ma se le iperboli della critica possono essere divertenti da leggere, costituiscono un'intricata forma di tortura per gli attori che ogni sera devono calcare le scene sapendo di essere diventati il barometro definitivo del male. "Quello spettacolo deve andare in scena per molto, molto tempo", dice Michael Bogdanov, direttore artistico della English Shakespeare Company, "e il cast deve convivere con quegli avvisi.

È molto difficile dal punto di vista psicologico: devono esporsi a persone che pensano abbiano letto tutte le critiche. I loro amici eviteranno di guardarli negli occhi o saranno eccessivamente spiritosi".È un'esperienza abbastanza comune in teatro. Nonostante il pubblico scarso o le recensioni negative, agli attori viene detto che lo spettacolo, per quanto brutto, deve andare avanti. Anche Lysette Anthony, che interpreta il ruolo principale nel musical Jackie, ha subito una critica nelle ultime settimane. Lo spettacolo avrebbe dovuto chiudersi ieri sera dopo solo tre settimane di repliche. "Dopo le cattive recensioni, devi essere incredibilmente professionale", dice la Anthony. "Devi tirare fuori il sedere e fare lo spettacolo ancora e ancora e ancora, senza curartene".

Dopo l'anticipazione e l'eccitazione delle prove e dell'inaugurazione, il disprezzo della critica o una chiusura improvvisa sono uno shock brusco. Alcuni, come il drammaturgo Michael Frayn, cercano di rivedere la produzione. "Non sai mai veramente che un progetto non va bene finché non sei di fronte a un pubblico", dice. "Con la mia opera del 1991, Look, Look, Look, sapevamo tutti che era un buco nell'acqua alla prima serata di anteprima. Fino a quel momento, eravamo assolutamente sicuri di essere davanti a un vincitore. Il pubblico è parte di uno spettacolo; si può controllare tutto il resto, ma tutto cambia quando il pubblico arriva. Decisi che dovevamo far funzionare la cosa. Ho riscritto e riscritto, e gli attori hanno imparato nuove versioni in 10 giorni".

Dato il noto ego a guscio d'uovo degli attori, lo shock di una dura risposta della critica deve essere particolarmente acuto. Simon Gray è l'autore di Cell Mates, la commedia da cui Stephen Fry si è ritirato. "È ovvio che gli attori si deprimano", dice. "Ma si sostengono l'un l'altro e nella green room si ride molto, anche a crepapelle. Dipende se le persone sapevano che sarebbe andata così, se erano già stoicamente rassegnate. Ma se pensavano che sarebbe stato un successo possono andare in shock, perché le prove delle serate di anteprima sono spesso smentite dai critici". Con grande dispiacere di molti attori, non è più prassi dei critici - come lo era per G H Lewis nel XIX secolo - registrare l'atmosfera in sala prima di smentire o confermare tale reazione.

Quindi il primo ricorso di un cast in crisi è di solito la sfida: accusare, o addirittura nel caso di Berkoff o Orton, minacciare i critici. Questa settimana, l'attore Robert Lindsay ha usato una sessione di domande e risposte a Stratford-upon-Avon per denunciare i critici e i "massacri" che essi fanno. "Penso che diventerà sempre più difficile se la gente non inizierà a trattare gli attori di questo Paese con rispetto", ha detto.
Lysette Anthony esprime lo stesso sgomento. "Siamo stati chiusi da cinque o sei uomini adulti con un programma. Se avessero scritto con lo spray sul teatro 'Yanks Go Home', non sarebbe stato più chiaro".
L'indeterminatezza della messa in scena rende gli attori ancora più sensibili alle critiche. "Eravamo prenotati fino al nuovo anno e ora, dopo poche settimane, da lunedì ci sono 60 persone disoccupate".
Stephen Fry ha parlato di "impertinenza vile e possessiva" dei critici. Simon Callow una volta ha scritto di sentirsi "lobotomizzato" dopo le recensioni. "È deprimente passare così tanto tempo in contemplazione di persone per le quali si ha così poco rispetto", ha detto.

Una produzione che ha rischiato di chiudere, The Dead Monkey al Whitehall, sta addirittura pensando di fare causa a un critico del Mirror che ha recensito lo spettacolo su GMTV senza averlo visto. Un altro critico, Robert Gore Langton dell'Express on Sunday, ha provocato l'indignazione del cast: ha dato alla pièce un'ottima recensione quando era in cartellone, per poi scrivere "È come guardare una lastra di marge nel microonde" quando è stata trasferita nel West End.

Il risultato di una tale stroncatura da parte della critica è sempre finanziario: i produttori di The Dead Monkey, Alexa Hamilton e David Soul (che in passato è stato Hutch di Starsky e. . .) lavorano ora gratuitamente, e i biglietti per Jackie sono stati letteralmente regalati fuori dal teatro negli ultimi 10 giorni. Le perdite per Jackie sono stimate in oltre 1 milione di sterline per le tre settimane di programmazione. Il produttore, Mark Schwartz, ammette: "È una tremenda delusione. Ma il teatro è una cosa strana. Jackie è stato un grande successo a Broadway e in Germania - come Jackie ber - ma qui la critica ci ha chiuso la porta in faccia e l'ha inchiodata".
Se tra il cast e la troupe di un "flop" permangono solidarietà e fiducia in se stessi, di solito è nella speranza di essere troppo "all'avanguardia". Molti attori si sono sentiti incoraggiati dalla famosa storia del critico Harold Hobson che nel 1958 andò a recensire The Birthday Party di Pinter. Quando arrivò a teatro, c'erano solo altre cinque persone, tra cui un altro Harold, il drammaturgo stesso. "Non si spiega", dice Simon Gray, "perché una buona opera teatrale sia presa male, o una cattiva bene".
Gli spregiudicati scelgono di abbandonare la nave non appena sospettano che stia affondando. Il più leggendario spettacolo della storia del teatro, il Macbeth di Peter O'Toole all'Old Vic nel 1980, fu pubblicamente disconosciuto dal direttore artistico dell'Old Vic, Timothy West. Oole ebbe poi un battibecco molto pubblico con il regista, Bryan Forbes, che difese la sua produzione in un discorso al sipario della prima serata.
<p>All'inizio di quest'anno, Nicola Hughes ha abbandonato il terribile Sweet Charity di Bonnie Langford pochi giorni prima dell'inizio. (Altri si dirigono verso la porta del palcoscenico durante lo spettacolo stesso. Nel 1995, Nicol Williamson si scusò con il pubblico dopo che un riflettore lo aveva mancato e lasciò il palco; Daniel Day-Lewis, pensando di aver visto il fantasma di suo padre durante l'Amleto, fece lo stesso.
<p>L'alternativa è che il produttore stacchi la spina. Martin Guerre di Cameron Mackintosh, originariamente inaugurato nel luglio 1996, fu ritirato dal palcoscenico per essere rivisto e rielaborato. Lo stesso è accaduto per Moby Dick: A Whale of a Time! di Mackintosh che, aperto con recensioni disastrose, rimase in scena nel West End per soli quattro mesi. In seguito è riemerso al fringe di Edimburgo come Moby!

Ma l'imbarazzo del cast di Antony and Cleopatra è aggravato da varie ragioni: nel tentativo di risparmiare, il National non ha più spettacoli in repertorio all'Olivier, ma permette alle produzioni di proseguire back-to-back. Se da un lato ciò consente di risparmiare sui costi, ad esempio per i cambi di scena, e di mantenere in loco gli spettacoli di maggior richiamo, dall'altro significa che le rappresentazioni sono incessanti e lasciano poco tempo per mettere a punto o rielaborare gli aspetti che non funzionano. Inoltre, le produzioni dei teatri sovvenzionati come il National non sono soggette alle stesse pressioni per il successo commerciale e quindi non chiudono mai prima, indipendentemente dagli standard o dalle vendite. Antonio e Cleopatra resterà in scena fino al 3 dicembre

Un'altra ragione per i volti imbarazzati , sempre legata alle finanze, è l'importanza del casting delle celebrità. (Simon Gray sostiene che alcuni produttori stiano facendo il casting delle opere solo dopo aver scelto le star). Le celebrità favoriscono le vendite anticipate e il carisma della Mirren-Rickman ha fatto sì che lo spettacolo fosse esaurito prima ancora di valutarne la qualità. Ora il cast recita per quello che, almeno fino all'intervallo, è un teatro pieno.
Questo strano ibrido successo/flop - una produzione finanziariamente florida ma artisticamente fallimentare - non è un fenomeno recente. Anche il Macbeth di Peter O'Toole ha unito il Bardo alla celebrità. All'epoca la produzione fu definita una "versione quasi pantomima inzuppata di ketchup", eppure - tanto il pubblico era entusiasta di assistere a un fallimento epico - il teatro registrò prenotazioni record. È un vecchio detto, ma in teatro non si tiene conto del gusto, ma solo del gusto di rendere conto.

Edited by Arwen68 - 25/6/2022, 23:15

Mi pare nuova...personalmente non l'avevo mai vista.😍😍😍

Lo so Anto....abbiamo quasi esaurito le vocali...io vado con aaahhhh!😍
( rimangono uuuhhh e iiihhh)
🤣

Onestamente non capisco la richiesta registica di una maggiore sensualità da parte di Alan. È vero che ogni messa in scena può differenziarsi dalla serata precedente( come anche Alan annota) ma qui si sta parlando di professionisti del calibro di G.Mirren e Rickman: il divario tra le varie serate non può essere così accentuato. Mi riesce difficile pensare ad un'azione di questa carica senza il supporto della parte vocale.
Onestamente, davvero, non capisco che tipo di sensualità fosse richiesta...🤔