The Irish Times - Venerdì 15 ottobre 2010
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Ulster Bank Dublin Theatre Festival
Fiona Shaw, Alan Rickman e Lindsay Duncan protagonisti di John Gabriel Borkman di Henrik Ibsen, nuova versione di Frank McGuinness. Fotografia Ros KavanaghFiona Shaw, Alan Rickman e Lindsay Duncan protagonisti di John Gabriel Borkman di Henrik Ibsen, una nuova versione di Frank McGuinness. Fotografia di Ros Kavanagh
John Gabriel Borkman The Abbey Theatre, Dublino Sentiamo parlare di John Gabriel Borkman molto prima di vederlo. L'impenitente antieroe del penultimo dramma di Ibsen è annunciato dal suono del suo passo. Lenti e senza direzione, quei passi riverberano pesantemente come la risonanza contemporanea del tradimento pubblico e della responsabilità personale nella nuova versione dell'opera di Frank McGuinness.
Qui c'è un banchiere caduto in disgrazia, che ha trascorso cinque anni in prigione per appropriazione indebita, ora confinato in una casa che non possiede più, con una moglie che non vede, in un'incrollabile negazione delle sue malefatte. La commedia rimane uno studio sull'isolamento, sulla bancarotta morale e sulla mancanza di vita.
Non c'è calore in questo mondo: quando la moglie di Borkman, Gunhild, magnificamente interpretata da Fiona Shaw, confessa la sua felicità per il figlio, che spera possa riportare in auge il nome della famiglia, aggiunge: "Sento quest'altra cosa come ghiaccio dentro di me". Ma è l'Ella di Lyndsay Duncan, sua sorella e l'amore abbandonato di Borkman, ad assomigliare maggiormente a una regina di ghiaccio: bionda e pallida, chiede la custodia dell'Erhart di Marty Rea, pronunciando le sue parole con glaciale determinazione.
Borkman, quando appare, è riservato, serrato e saturnino, ovvero è interpretato da Alan Rickman. Lo spazio intorno al megalomane ostracizzato di Rickman sembra crescere, le sue pose e il suo incedere sono sempre più senza meta, le sue dichiarazioni sempre più irredimibili ("Quando dico me stesso", dice a una Gunhild in protesta, identificando coloro che le sue azioni hanno danneggiato, "includo te e lui"). La produzione di James Macdonald fatica a rappresentare questa stasi emotiva e morale senza diventare inerte. La scenografia di Tom Pye affronta il problema attraverso la riflessione e l'astrazione, creando confini traslucidi come pareti di gelo compattato, con neve, neve ovunque, accentuando in ultima analisi il vuoto. A un certo punto Macdonald amplifica persino il ticchettio di un orologio a pendolo, come se la svogliatezza potesse trasformarsi in qualcosa di surreale.
Ci sono molte giustificazioni intellettuali per questa caratterizzazione invernale, ma solo Shaw e John Kavanagh trovano la vita in un testo che prefigura costantemente la morte. L'inflessione sconcertata che Shaw dà a una battuta come "Per cosa vuoi vivere?" sottolinea una discrepanza di approccio che va al di là degli accenti distratti della produzione, che rendono difficile trovare la voce di McGuinness.
Duncan riserva l'esibizione emotiva per il momento in cui Ella si dissolve, accusando Borkman di aver ucciso la sua anima e quella di lei, e mentre Rickman suggerisce la sfida isolante di Borkman attraverso candele spente, sguardi tardivi e, soprattutto, aggrappandosi con tanta speranza a Erhart da poterlo soffocare per sbaglio, non vediamo mai il lupo in gabbia descritto da Gunhild. La sua distruzione è totale, ma anche lui sa di essere morto da tempo.
Mettete insieme queste commedie e saranno dinamite
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The Irish Times - Sabato 16 ottobre 2010
Ogni opera ha evidenti punti di contatto con il mondo di Seanie e Fingers e con il disordine che hanno combinato nel Paese. Enron racconta l'ascesa e la caduta (nel 2001) di una società la cui fanta-economia ha preannunciato il più grande crollo del capitalismo finanziario globale. John Gabriel Borkman si svolge all'indomani di uno scandalo bancario, con il protagonista ancora aggrappato al delirio di onnipotenza che gli ha fatto credere di poter fare ciò che voleva con i soldi degli altri.
È abbastanza ovvio il motivo per cui entrambe le opere vengono messe in scena qui ora. Il teatro tende a operare retrospettivamente e metaforicamente. Enron è stato inaugurato al Chichester Festival Theatre l'anno scorso, otto anni dopo il culmine degli eventi narrati. L'interesse di Prebble non è chiaramente tanto lo scandalo Enron in sé, quanto il modo in cui, con un po' di distanza, la storia rivela la logica folle della deregolamentazione, dei derivati e della collusione professionale con la frode. Allo stesso modo, il dramma tardivo e un po' goffo di Ibsen viene riproposto con tanto splendore perché la follia di Borkman risuona con gli eventi contemporanei.
Come modi di connettersi attraverso il teatro con quegli eventi, tuttavia, i due spettacoli sono immagini speculari dei rispettivi punti di forza e di debolezza. Enron è forte della spinta narrativa e della spiegazione diretta della follia dei mercati. È debole per quanto riguarda le altre cose che si possono sperare in un'opera d'arte: poesia, significato, umanità. John Gabriel Borkman, invece, è tutto poesia e umanità tormentata. Lotta con la narrazione e la coerenza, e il contesto contemporaneo lo rende decisamente, anche se affascinante, strano.
Forse è un segno di mezza età, ma Enron mi sembra meno innovativo di quanto i riconoscimenti e i premi che ha raccolto potrebbero far pensare. È praticamente una versione high-tech del tipo di teatro politico che negli anni Settanta veniva messo in scena da compagnie come 7:84, con un'estetica molto più dozzinale. Non c'è niente di male in questo: il teatro può essere didattico tanto quanto può essere poetico, e la tecnologia è del tutto appropriata al soggetto. Prebble, inoltre, fa un lavoro superbo nello spiegare misteri come gli hedge fund, la contabilità mark-to-market e la natura basata sulla fede dei mercati azionari. È interessante notare che l'immagine più memorabile è anche la più semplice: la vecchia metafora delle scatole cinesi.
A volte, però, l'ambiziosa ed energica produzione di Rupert Goold è tecnicamente e immaginativamente sottotono. Se si vuole fare un dramma tutto canti e tutto balli, è utile che la musica e la coreografia siano più potenti di quanto non lo siano in genere in questo caso. E alcune metafore visive mi hanno ricordato il peggiore agitprop degli anni Settanta: i "rapaci" strumenti contabili sviluppati da Enron per tenere i suoi debiti fuori dai libri contabili sono rappresentati da - indovinate un po' - attori con teste di dinosauro. In definitiva, Enron è più efficace come educazione che come arte.
John Gabriel Borkman è un tipo di proposta teatrale molto diversa, ma non nel modo in cui ci si potrebbe aspettare. Enron è high-tech, all'avanguardia e contemporaneo. Borkman è un dramma di fine Ottocento del maestro del naturalismo che si apre in un salotto alto borghese. La confezione lo fa sembrare un veicolo per star: un cast stellare con Alan Rickman nel ruolo di Borkman e Fiona Shaw e Lindsay Duncan nei panni delle sorelle rivali per il suo amore; favolose scenografie di Tom Pye e sontuosi costumi di Joan Bergin. Dovrebbe essere sicuro come una casa.
Ed è effettivamente sicuro come una casa - nel boom immobiliare irlandese. Per loro enorme merito, sia Frank McGuinness nella sua versione del testo che James Macdonald nella sua produzione si rifiutano di ignorare l'ovvio problema di fare l'opera ora. Sapendo quello che sappiamo sulla stupidità, la vanità e l'incompetenza dei padroni dell'universo finanziario, come possiamo prendere sul serio un banchiere corrotto come protagonista tragico? E come affrontare il fatto che semplicemente non possiamo farlo? La soluzione di Macdonald consiste nel prendere le distanze dal dramma, adottando una mancanza di simpatia quasi brechtiana per i personaggi. Il tono della produzione è molto meno legato al naturalismo e alla tragedia che al melodramma e alla farsa. È spesso molto divertente, sempre consapevolmente teatrale e quindi intrigantemente particolare.
Il centro di questo approccio è, naturalmente, il Borkman di Rickman. In un'interpretazione molto manierata ma brillantemente modulata, Rickman fa del banchiere un mostruoso esempio di egocentrismo, totalmente incapace di vedere qualsiasi cosa o persona in termini diversi dagli effetti su se stesso. Ibsen vedeva questa condizione come tragica; Rickman la incarna come un'assurdità selvaggia. Questo funziona meravigliosamente per la maggior parte dell'opera, ma diventa strano verso la fine, quando si suppone che ci interessi il destino di Borkman. Questo solipsismo estremo è condiviso dai personaggi di Shaw e Duncan, che rendono la commedia una galleria di egoismi psicotici. Tutti e tre lottano per il controllo del figlio di Borkman, Erhart: Macdonald, al culmine grottesco del melodramma nel terzo atto, rende la lotta letterale, con Rickman che lotta contro il ragazzo.
Ancora più coraggiosamente, la produzione porta avanti questo esame fino alla sua logica conclusione: ognuno dei personaggi principali sembra esistere in quasi completo isolamento dagli altri. I tre agiscono letteralmente in modo diverso, Shaw con tutti i dettagli e l'energia nervosa, Duncan con l'immobilità e la presenza, Rickman racchiuso nei suoi ritmi di parola e movimento. Un'opera che si distingue per la sua unità tecnica (Ibsen riesce a svolgere i quattro atti in un tempo inferiore a quello reale) vede la sua superficie frantumarsi in pezzi distinti.
L'effetto non è completamente in contrasto con l'opera, che è un mix di naturalismo e della precedente poesia di Peer Gynt, ma la rende molto più strana di quanto il testo originale suggerisca. Sarebbe stato più facile - e più comodo dal punto di vista commerciale - presentarlo come un classico pieno di star. È invece qualcosa di più coraggioso e interessante: una messa in scena del grottesco del potere, dell'avidità e dell'ossessione.
John Gabriel Borkman - recensione
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Le proteste del banchiere caduto in disgrazia di Ibsen sono state accolte dalle risate del pubblico la sera della prima, ma nella nuova versione dell'opera di Frank McGuinness gli echi contemporanei non possono sovrastare il dramma centrale. L'ambientazione d'epoca ci riporta nel mondo di Ibsen, dove gli uomini compiono azioni e le donne ne subiscono le conseguenze.
Il John Gabriel Borkman di Alan Rickman ha scontato una condanna per appropriazione indebita ma, tornato a casa, è ancora in carcere. Cammina al piano superiore mentre la moglie Gunhild (Fiona Shaw), che ascolta ogni notte i suoi passi, è anch'essa incarcerata.
Sui cumuli di neve, gli interni domestici in miniatura di Tom Pye riflettono magnificamente l'immaginario invernale del testo. L'allestimento di James Macdonald sottolinea l'inerzia di questa famiglia, mentre il paesaggio ghiacciato si estende ai cuori di marito e moglie e a Ella, la sorella di Gunhild. Un tempo amata da Borkman, Ella è stata tradita da lui mentre inseguiva le sue ambizioni. Il suo arrivo scatena una battaglia tra le sorelle per il figlio di Borkman, Erhart, al quale hanno trasferito ciò che resta dei loro sentimenti.
Il duello verbale tra Shaw e Lindsay Duncan, nel ruolo di Ella, è avvincente: l'uno ironico e nervoso, l'altra glacialmente dignitosa. Rickman, nel frattempo, presenta un uomo svuotato, che potrebbe, come dice Gunhild, essere già morto. Impenitente e vanitoso, aspetta di essere vendicato. Rickman gli conferisce un'agghiacciante grandezza mentre rifiuta di riconoscere il fallimento che comunque lo perseguita, negando la possibilità di cambiare.
Nemmeno questi superbi attori riescono a far sembrare il terzo atto qualcosa di diverso dal melodramma. Ognuno di loro cerca di aggrapparsi a un futuro con Erhart, mentre il giovane fa la sua richiesta di libertà. Il ritmo diventa faticoso e, quando Borkman cammina nella neve, sembra più istrionico che tragico. Solo nel momento finale, quando le sorelle si stringono le mani sopra il suo corpo, c'è un'immagine eloquente. Sembra un tardivo riconoscimento della loro complicità nel suo destino, che le lascia come "due ombre su un uomo morto".
Recensione: John Gabriel Borkman
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Ecco un paradosso: John Gabriel Borkman è una tragedia su un banchiere con manie di grandezza.
Quando è andata in scena all'Abbey, nel 1928, un recensore ha visto Borkman come un "idealista distrutto" e come "un uomo in cui tutti potevamo credere".
La nuova versione di Frank McGuinness, diretta da James MacDonald, fa riferimento a quegli ideali: Il Borkman di Alan Rickman è un uomo la cui disperazione per il potere può averlo portato a oltrepassare i limiti della legalità, facendolo finire in prigione, ma sostiene di aver cercato quel potere per migliorare il bene comune piuttosto che per il suo stesso interesse.
Rickman rimugina e si aggira per i corridoi vuoti della sua bella casa (resa in modo impressionante dal designer Tom Pye), ripercorrendo la sequenza di eventi che hanno portato alla sua caduta.
"L'unica persona a cui ho fatto del male sono io", protesta, e il pubblico ride.
Invece di vedere una figura tragica il cui difetto era l'eccesso di ambizione, ne vedono una patetica il cui autoinganno lo rende ridicolo.
In un'opera che ha bisogno di un Lear al suo centro - un uomo nobile, anche nella sua rabbia e nella sua follia - il pubblico trova un Willy Loman (l'eroe di "Morte di un commesso viaggiatore" di Arthur Miller), un uomo piccolo e abbattuto dalle tentazioni quotidiane del capitalismo.
Come opera teatrale su un banchiere corrotto, il dramma di Ibsen ha certamente una risonanza contemporanea. Ma il pubblico sembra leggerlo come satira; i momenti di rivelazione drammatica si trasformano in farsa, il pathos in bathos.
L'atto finale di Ibsen è noto per essere difficile. Ma MacDonald decide bizzarramente di metterne in scena gran parte con Rickman goffamente in ginocchio, praticamente tra le quinte, lasciando che l'attenzione del pubblico cada su due sottili pennacchi di neve finta che cadono in modo poco convincente al centro del palco.
C'è molto da apprezzare o da ammirare in questa produzione dell'Abbey - in particolare la moglie del banchiere, con gli occhi selvaggi e i borbottii di Fiona Shaw.
Ma la sensazione principale è quella di una produzione che non ha ancora trovato il suo ritmo. Sospetto che valga la pena di tornarci.
- COLIN MURPHY
Le stelle infiammano il palcoscenico nel racconto oscuro di Ibsen
Di EMER O'KELLY
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I grandi drammi sono spesso distrutti da interpretazioni di star, di solito perché l'autoassoluzione nella recitazione diventa il fine piuttosto che il mezzo.
Secondo questo criterio, la nuova versione di Frank McGuinness di John Gabriel Borkman di Ibsen per l'Abbey dovrebbe essere un disastro totale, con tre delle più brillanti luci teatrali del mondo anglosassone che si sfidano sul palco. Invece, il regista James McDonald ha prodotto un pezzo di teatro così delicatamente magnifico che merita di essere ricordato (e si spera lo sarà) per generazioni.
La storia di un direttore di banca in rovina che si appropria di fondi per poi essere denunciato dal suo più intimo confidente per vendicarsi, a detta di quest'ultimo, di aver impedito alla bella cognata del direttore di accettare una sua proposta di matrimonio, ha un'ovvia risonanza nel nostro tempo.
Ma non si tratta di un'allegoria banale o a buon mercato. McGuinness ci ha consegnato l'opera monumentale di Ibsen così come è stata scritta originariamente: un esame della natura della passione sessuale giocato contro l'ossessione trainante del minatore diventato banchiere che vola, come Icaro, troppo vicino al sole dell'ambiziosa avidità.
Solo che John Gabriel Borkman non cade sulla terra e su una morte misericordiosa; la cera fusa delle sue ali lo trascina in una fossa in cui vivono i serpenti della disperazione e della memoria.
Il suo amore perduto, Ella, ritorna nella speranza di riprendersi il figlio Erhart, che ha avuto in affidamento da ragazzo e che vuole rendere suo erede prima della sua imminente morte; l'implacabile moglie, sorella gemella di Ella, si scatena da sola sul pavimento della tenuta di famiglia dove vivono in isolamento separato e alimentato dall'odio, decisa a far sì che il giovane si riappropri dell'onore del nome di famiglia e cancelli per sempre la memoria del padre.
E Borkman, otto anni dopo essere stato rilasciato dal carcere, vive in un mondo di illusioni: isolato da tutti, tranne che dalla giovane figlia del suo vecchio impiegato che viene a suonare il pianoforte e dall'impiegato stesso, che desidera diventare scrittore e alimenta la mania di Borkman di tornare al potere in cambio di noci di incoraggiamento, attende la riabilitazione agli occhi del mondo.
Nel mondo severo di Ibsen c'è solo una soluzione: il giovane Erhart sceglie la libertà e il futuro, liberando inconsapevolmente tutti dalle catene che si sono autoimposti. E John Gabriel Borkman può finalmente dormire.
Alan Rickman è mozzafiato nel ruolo di Borkman, un uomo che ha perso il contatto con l'uomo per inseguire una brutta fantasia. Fiona Shaw è Gunhild, la moglie il cui nucleo è stato racchiuso in un acciaio raggrinzito, in un'interpretazione che mette a nudo gli strati di sangue e ossa all'interno dell'acciaio. E Lindsay Duncan è Ella, la sfortunata giocatrice d'azzardo emotiva che si è giocata tutto e che attraverso le continue perdite ha imparato ad accettare quasi con equanimità.
Ci sono dei difetti: John Kavanagh nel ruolo del patetico impiegato dà l'impressione di aver deciso di interpretare il testo in modo diverso dai suoi colleghi del cast, e Lindsay Duncan ha parecchi problemi di proiezione.
Ma a parte questo, con Marty Rea nei panni del disperato Erhart, Cathy Belton in quelli della sua divertita e saccente amante, Amy Molloy nella parte della giovane Frida e Joan Sheehy in quella della cameriera, questa è una produzione davvero memorabile, con i meriti tecnici altrettanto trionfanti quanto l'idea e la recitazione: La scenografia gelidamente nordica di Tom Pye, i costumi di Joan Bergin, le luci quasi eteree di Jean Kalman e il suono di Ian Dickinson.
Edited by Arwen68 - 29/6/2022, 22:08
